九州ku游娱乐:黄建新：论坛发言解决不了 AI 的问题！今年上海有一群电影人决定先做（深度观察）

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  “AI片场”首创“传统影视创作者+AI超级创作者”的1+1融合创制机制，选拔出四个创作小组，在一个月创作实践中从不同题材出发，将AI影像创作置入真实的生产流程。

  围绕着年轻的 AIGC 创作者们的创作过程（注意！是创作过程，而非仅看作品），短短几天时间里，工作坊、首映式、论坛、沙龙轮番上演。这次聊 AI，不再天南海北，而是更加有的放矢。

  作为“AI片场”的发起人，导演黄建新对当下电影与 AI 的结合有两点判断：

  第一，以AI现在的发展阶段，我们远没到只看作品的时候。更有价值的，是把创作过程拿出来，把问题摆在桌面上。

  第二，很多问题靠论坛发言解决不了，只有真正上手跟工具相处，才知道它能帮你什么、哪里不可靠、哪里会带来惊喜。

  组委会从全球征集参与者，历时43天，收到来自7个国家近500人的报名。最终11位传统影视创作者和11位AI超创各自飞到上海，在上海影城的一个大厅里，两两对坐，每轮聊两分钟，然后换人，最终自由结为两人一组的搭档。

  她从洛杉矶连夜飞到上海做自我介绍。而最终与她结成搭档的德国人Mark Wachholz是专程从柏林飞来的。

  这样的“组队”设计有其用意，组委会希望让两套语言系统在同一个项目里真正磨合：传统影视创作者搭档AI超创，一个懂叙事，一个懂模型和工作流，合作完成一部作品，并把全部创作过程摊开来，形成可观察、可讨论、可沉淀的行业样本。

  在上海影城，“AI片场”单元搭建了赛博朋克风格的专属空间，八九百平方米的空间里，融合了算力设备、创作工位、产业配套和体验区。在拳击台式的工作区上，“现在约”“直接聊”“当场问”“上来试”的标语贴满四周。

  经过终选路演，4组团队入选。他们用一个月时间，从零开始打造了自己的 AI 作品。

  中国传媒大学专门派出学术观察团跟踪记录整一个完整的过程，最终输出了覆盖多重维度的观察报告，连同全部创作过程资料一起对外开源。

  真正的AI片场，不只是“输入一句话，得到一段视频”。AI让一部分工作变快了，但没有让创作变简单。

  一个月的高强度创作，四组团队撞了不少墙，也摸索出一些办法。这些来自一线的经验，比任何论坛发言都更有说服力。

  参赛团队需要在一个月的时间内完成自己的作品。例如“能工智人”团队用 AI 制作的7分钟动画短片《愿力司》，放在传统三维动画流程里，从建模、材质、贴图、绑定到特效、灯光，牵涉十几个工种的协同，一个月的周期会非常紧张。

  “光锥”团队的主创吴汉坤更是坦诚透露，理论上团队有 30 天的创作时间，但由于还有别的工作，他们小组线天左右。

  “能工智人”成员王泽透露，他们制作的7 分钟 动画短片，总共消耗了大约20万AI积分。据他计算，以1080P画质抽卡，一条15秒的视频大约要消耗五六十元。相比专业动画制作成本确实低，但对于个人创作者，还是有点“心疼”。

  这部分成本主要发生在“试错”阶段，创作者不知道 AI生成出来的内容是不是自己想要的，只能让 AI做了才知道。王泽感慨，每次抽卡后如果用不了，就感觉“钱没了”。

  所以对于所有 AIGC 创作者，提高命中率，是所有人都在苦心钻研的问题。

  “能工智人”王泽分享了一个试错的细节：当他把上一段视频的尾帧截图喂给AI，希望它延续同样的构图时，AI反而把那张模糊的截图当成参考图来优先处理，导致生出来的新段落也变模糊了。

  他后来想出一个办法，把截图转成黑白的线稿的形式，AI 会将其理解为草稿分镜。此时再把风格图喂给 AI，AI会基于线稿构图重新跑一遍，生成的内容，画质会好很多。

  不能把AI当成能解决所有问题的工具，就像导演跟摄影师、美术指导沟通的时候，要让他们了解你要表达什么。如果完全不向AI表达你的意图，它自己会揣测；稍微限制它，同时又放权让它想象，反而会出现一些意想不到的结果。

  “光锥”团队的主创吴汉坤是是一名演员（《封神》等），他们在创作短片时发挥了这一优势，部分内容采用了真人表演+AI转绘的方式。

  也是在实践过程中，团队才发现真人表演+AI转绘也并非那么可控，要解决的小问题很多是他们之前没想到的。比如吴汉坤发现，AI转绘真人表演时会抹平细节：人脸有多块肌肉，表演的动人之处往往来自那些“瑕疵”和“不完美”，但AI把它们视为技术错误处理掉了。

  除了表演，“光锥”团队在很多地方都采用了 AI+人工的混合制作模式，比如台词是部分真人录制、部分AI生成，后期再混合；音乐则请了专业作曲尝试AI辅助创作。他们都以为这是目前比较高效和可控的 AIGC 创作模式。

  “三头怪”团队的主创余曦是电影编剧、导演和创意制片人，曾参与《毒战》《盲探》《1921》等作品创作。他在此次AIGC创作中发现了一个经常被大家忽略的问题。

  不少人拿到AI工具就开始生图，生出来的东西不好看， 但又找不到原因。余曦认为，是因为跳过了传统影视里每个专业岗位本应承担的设计工作。

  大家看到的是一张图，它里面是所有部门创作的结晶。图里面有摄影、光，有景、有美术的东西，有人物的造型、服装，就算AI生的演员，你也要去选。两个使用AI工具的人，可能通晓一切吗？不可能。

  和余曦搭档的AI超创李哲言也赞同这种观点，并表示这正是大众口中“AI感”的源头，

  现在做AI影片的团队人数非常受限，也没有非常明确的分工，去把画面很多细节做好。很多部分是AI联想、补足的，可能因为它缺乏人性，所以我们觉得有AI感。

  俞白眉对这一现象进行了总结：一张AI生成的图，实际上压缩了摄影、美术、灯光所有部门的专业判断。以前这是几十个人分工完成的事，现在变成一个提示词。这不是“简化”，而是“隐形”。

  所有专业判断依然存在，只是被嵌进提示词里了。AI超创真正要懂的东西，一点都不少，只是变了形式。

  当然，“精准控制”仍是用一种偏传统的方式理解 AI，也有很多 AIGC 创作者想尝试适应 AI，而非让 AI 适应人。

  “Bicycle Kids”团队的成员Mark Wachholz来自德国，他表示很喜欢AI那些“不被控制的部分”。在他看来，AI处理的信息量很大，它的理解可能比我们更深刻。

  黄建新在观察四组团队后发现，每个小组与AI的相处方式都不一样：有的希望AI更“听话”；有的从AI生成的可能性里做选择。两种方式都成立，也都暴露问题。但无论如何，创作者的审美、经验和直觉不能丢。

  导演黄建新是最坚定的实践派。他在厦门大学担任电影学院院长，推动过八校联盟的“AI极限挑战创作”，给每个学校三天时间、不限题目，最后八个学校做出来的风格各不相同。他说，AI并不会消灭想象力。

  这次AI片场，他的原则是：不给年轻人限制，让他们去碰，碰出来经常出乎你的意料。

  他判断，AI在表现传奇、神怪题材方面有超越真人的潜力，未来电影的结构可能会发生明显的变化，动画片、真人故事片、AI电影、纪录电影，将各自形成独特的美学体系，共同存在。

  他说未来两年内，不要把AI影像和电影混淆。AI电影要进入真正的电影行列，需要通过一个像“图灵测试”一样的标准：观众在不知情的情况下看完，不觉得有任何区别。

  在那之前，AI影像有自己的美学语言，跟传统电影是平行的两套系统。最终，它会推翻一些东西，然后建立一些新的东西。

  MiniMax副总裁严奕骏从技术角度指出，模型迭代周期过去是半年或者三个月，现在是两个月，未来会往一个月方向发展。这在某种程度上预示着你今天踩到的坑，很快可能就被模型迭代填上了。

  华硕电脑中国业务总部副总经理郑威表示，创作者需要“更听话的AI”，导演心中可能有一个完整的艺术构想，但AI呈现出来的经常“出乎意料”，这是需要改进的方向。

  博纳影业集团影视制作副总经理、博纳影业AIGMS制作中心负责人曲吉小江很认可这一点。她透露在做AI 电影《三星堆：未来往事》的过程中，每天都在跟模型较劲，因为目前所有可用的模型都是面向大众消费者的通用模型，没有一个真正为电影工业生产而优化的垂直大模型。

  对此，MiniMax副总裁严奕骏呼吁电影人多用 AI，因为创作者在使用模型当中给到的意见、建议、反馈，是整个技术迭代、技术发展最重要一环。

  光线传媒董事长王长田在上影节论坛上分享了自己对 AI 的判断：AI是一个更加全面的工具，但无法颠覆电影艺术的本质与行业格局。

  他以光线传媒的实践举例，今年要上映的动画电影《去你的岛》曾尝试用AI绘制海报，但效果差强人意。最终成片未使用一帧AI制作内容。

  王长田还提出了一个值得玩味的观点：影视工作者应该追求的是“AI因你而不同”，而非“你因AI而不同”。

  AI帮你提高效率，补足短板，你变得跟别人不太一样，这是“你因AI而不同”；但最终一定得是“AI因你而不同”，因为这个工具大家都会使用，因为你的存在让“结果”不一样了，才有意义。

  易中天的判断是，AI带来了技术平权，但有三样东西不会随之平权：审美、智慧、思想。

  厦门大学人文与艺术高等研究院院长易中天深度参与了今年的“AI 片场”活动

  工具可以人人都有，但用工具做出来的东西好不好看、有没有意思，差距依然是人和人之间的差距。

  在AI的时代将凸显人的重要性，重要在哪儿？判断力、想象力、创作力，这三大能力一定是仅仅属于人类的。

  AI 已经是电影行业避不开的话题，今年上海国际电影节“动手”又“动脑”，给了大家很多启发。